Ministero per i Beni Culturali e Ambientali Ministry of Enviromental and Cultural Heritage. Italy Soprintendenza per i Beni Ambientali, Architettonici, Archeologici, Artistici e Storici del Friuli-Venezia Giulia Galleria Nazionale d'Arte Antica Trieste Palazzo Economo, piazza della Libertà 7, 34170 Trieste (II piano) Aperta nei giorni feriali dalle 9,00 alle 13,00. Restauri '90 Attività del Laboratorio di restauro di Trieste della Soprintendenza per i Beni A.A.A.A.S. del Friuli-Venezia Giulia Catalogo della mostra Parte prima | Parte seconda Il Laboratorio di restauro di Trieste riflette la composizione complessa della Soprintendenza, articolata in tre settori - Beni Architettonici, Archeologici e Storico-Artistici - spesso nettamente distinti, talvolta collegati in rapporti interdisciplinari. Così le tre operatrici del Laboratorio devono impegnarsi di volta in volta nella presentazione estetica della decorazione a tempera in un importante palazzo ottocentesco, o nella conservazione dell'intero corredo funebre proveniente da una tomba longobarda o celtica, o nel recupero di pale d'altare, di antichi oggetti d'uso domestico o di funzione liturgica e così via. L'esperienza multiforme, acquisita sul campo negli anni, ha accresciuto le conoscenze e reso le restauratrici pronte ad affrontare sempre nuove operazioni, con conseguente aggiornamento su tecniche d'esecuzione e su metodi di restauro. Nell'ambito della XIII Settimana, si è ritenuto interessante presentare una selezione tra i più pregevoli dipinti ad olio (prevalentemente su tela, ma anche su tavola e su carta) restaurati negli anni '90. Sono tutti dipinti di istituti pubblici, di enti museali, di chiese, a cui la Soprintendenza offre la collaborazione qualora il valore di un'opera e il suo stato di conservazione ne rendano necessario il restauro e non sia possibile reperire in breve i fondi necessari. Tra i dipinti esposti, alcuni richiedevano una leggera pulitura, altri, rovinati da gravi fattori di degrado e appesantiti da vecchie ridipinture alterate, esigevano un'intervento più impegnativo. Talvolta tramite il restauro è stato possibile acquisire maggiori conoscenze, ai fini dell'attribuzione ad un autore o a un ambito artistico oppure per una più precisa interpretazione iconografica. La breve esposizione si inserisce nel percorso espositivo della Galleria, snodandosi parallelamente nei secoli, dal Cinquecento all' Ottocento e offrendo suggerimenti per significativi confronti. Si inizia con due preziose tavolette fiamminghe del primo Cinquecento. Tratte da uno smembrato trittico, le tavolette rappresentano rispettivamente Davide e i portatori d'acqua e Ester e Assuero, due scene che possono essere interpretate come prefigurazioni bibliche dell'Adorazione dei Magi, come aveva già dedotto Guglielmo Coronini Cronberg (secondo le sue note manoscritte). E quindi una Adorazione dei Magi doveva costituire la tavola centrale, a cui le due tavolette facevano ala, fungendo da portelle (dipinte, appunto, recto e verso). Le tavolette presentano ora la netta forma di rettangoli, ma in origine potevano concludersi superiormente con una cimasa dal profilo curvilineo, come la tavola centrale: a trittico chiuso, pertanto, le due portelle dovevano coincidere complessivamente con la tavola centrale, mostrando le immagini dipinte sul verso. E queste due immagini raffigurano rispettivamente S. Eligio di Noyon e S. Gertrude di Nivelles. Per chiarire ed illustrare tale ipotesi di lavoro, si propone un'ideale ricomposizione del trittico. Le due scene conquistano l'ammirazione per la straordinaria capacità miniaturistica dell'artista che, sulla base di una composizione saldamente impostata, realizza una pittura in punta di pennello, dalla ricca e variegata gamma cromatica. Il verso delle tavolette presenta una composizione semplificata, cui si accorda una più sobria ricerca cromatica: la figura del Santo e quella della Santa campeggiano diritte sullo sfondo di un muro che, a trittico chiuso, sembra ricomporsi nella sua continuità austera, memore di silenzi e preghiere: la presenza del muro allude presumibilmente ai monasteri che furono di fondamentale importanza nella vita dell'uno e dell'altra. L'importanza del restauro, e in particolare della pulitura dalle vernici fortemente ossidate, si rivela notevole anche ai fini dell'interpretazione iconografica: sulla figura della Santa, infatti, si sono evidenziati i topi che risalgono lungo le sue vesti, attributi tradizionali dell'immagine di S. Gertrude di Nivelles, che altrimenti sarebbe apparsa semplicemente come una non meglio identificata Santa monaca. Una nuova Annunciazione si aggiunge al corpus del manierista bolognese Prospero Fontana. Firmato e datato (1581), il dipinto ha rivelato, durante la pulitura, insospettate raffinatezze: l'impianto prospettico si arricchisce di nuova profondità per effetto della "scoperta" del pavimento in marmi policromi e le figure, soprattutto l'Angelo, sono vivificate da nuove vibrazioni di luce e colore. Introduce i due secoli successivi una tela di Alessandro Magnasco. Stravaganti figure - un pirata, un personaggio esotico dalla lunga pipa, un imbonitore con scimmietta - popolano le cavità di imprecisate rovine, tra cui si ammassano cannoni, armi, corazze, tamburi, timpani e altro ancora. Già Guglielmo Coronini Cronberg (nelle sue note) attribuiva il dipinto al Magnasco. L'alta qualità si è rivelata pienamente in seguito alla pulitura, che ha liberato la tela dallo spesso strato di vernice ossidata: dalla monocorde gamma di bruni virati al giallo, è emerso il contrasto - consueto nel pittore genovese - tra le tinte cupe degli anfratti oscuri e dei personaggi torvi e l'azzurro luminoso del cielo. La sicurezza del segno vivace e spesso allusivo e la fantasia inventiva, memore delle incisioni del Callot, suggeriscono un periodo di esecuzione di piena maturità. Al corpus del secentesco pittore-canonico di Aquileia Cosattini si può ora aggiungere una nuova Madonna con Bambino. Rispetto all'ampia fama che godette in vita, la critica successiva smorzò gli entusiasmi: "mediocre seguace del Padovanino" viene sinteticamente definito (G. Bergamini, 1984). Anche in quest'opera è evidente una certa sommarietà dell'insieme (cui contribuiscono i danni dovuti alla pioggia che ha dilavato la tela) in contrasto con la sensibilità affettuosa espressa nella resa dei volti: caratteristica abbastanza consueta nelle opere conosciute del pittore, tutte di soggetto sacro. Attribuite da Guglielmo Coronini Cronberg (nelle sue note) ad Antonio Joli, le due Vedute di Napoli con corteo regale sono complementari: una veduta comprende il Vesuvio e Castel dell'Ovo, l'altra la collina di Posillipo; l'una prosegue nell'altra, con il ritmo solenne del corteo regale che si snoda sul lungomare tra ali di popolo e di militari. Notevole è il recupero della freschezza descrittiva e della luminosità cromatica, attuato tramite la pulitura e l'eliminazione di vecchie vernici fortemente ossidate: dai toni giallo-grigiastri imperanti sulle tele, che bloccavano il segno e occultavano il delicato variare di tonalità azzurrine e di tocchi più caldi, bruni, rossi e rosati, è emerso un impianto scenografico più credibile (nonostante le approssimazioni prospettiche) mosso da leggere vibrazioni cromatiche. Un raffinato Ritratto femminile è riferibile alla prima metà del Settecento francese, sulla base della valutazione dell'acconciatura e dell'abbigliamento. La tela ha subito notevoli danni nel tempo. Originariamente era di forma rettangolare e successivamente fu ridotta in ovale. La fragilità della tela ha però indotto a riproporre dimensioni e forma originarie, per consentire un più corretto tensionamento. Le parti irrimediabilmente perdute sono state "ricucite" con un delicato "puntinato". Conclude il Settecento una raffigurazione intimistica e tenera della Madonna con Bambino nella Adorazione dei pastori, tradizionalmente attribuita a Scuola emiliana (attribuzione che viene qui ripetuta, mentre è però in corso uno studio). In primo piano, un pastore dalla possente schiena, porge le sue offerte, costituendo quasi una quinta teatrale che racchiude la luminosa scena sacra. L'Ottocento è rappresentato da sei dipinti di Giuseppe Tominz, il maggiore pittore goriziano del secolo, acclamato ritrattista della media e grande borghesia e dell'aristocrazia di Gorizia e Trieste. Un gruppo di famiglia, composto da padre madre e figlioletto, La famiglia Brucker, offre l'occasione al pittore di inventare un sapiente gioco di mani che, ancor più dei volti, esprime il mondo degli affetti, della forza dei rapporti. Oltre gli schemi del ritratto di rappresentanza il gruppo di famiglia si presenta quasi come una scenetta familiare in cui ogni personaggio ricopre il suo ruolo, in cui la composizione ben orchestrata crea "una zona più intima conclusa ed incavata: il nido in cui si inserisce il bambino" (G. Coronini, 1966). Di particolare interesse è il Ritratto del pittore Lorenzo Gatteri. Abituati a vedere nel corpus di Tominz ritratti non solo singoli, ma anche di due o più persone imparentate, ci sembra di scorgere a prima vista un doppio ritratto. E' invece il solo pittore Gatteri che viene raffigurato, con pennello e tavolozza di fronte a un'opera propria, cui sta dando gli ultimi ritocchi: il ritratto della moglie. Ma l'evidenza plastica, che Tominz ha voluto conferire al ritratto nel ritratto, è tale da indurre inizialmente in errore. E forse questo fattore-sorpresa, questo gioco di realtà-finzione è proprio il fine perseguito, l'effetto ricercato. Giuseppe Bernardino Bison (1762-1844), l'ultimo pittore di ispirazione settecentesca, viene ritratto dal più giovane "collega" e amico con l'intensità dei momenti migliori, quando si creava un rapporto reciproco di conoscenza e simpatia umana tra Tominz e il suo soggetto, quando non era più il contesto - dell'abbigliamento, degli arredi, dell'ambientazione - a prevalere, denotando il grado sociale raggiunto, ma la personalità stessa, l'umanità della persona rappresentata. I Civici Musei di Storia ed Arte di Trieste conservano una miniatura di Andrea de Castro, evidentemente desunta da questo ritratto o da un ritratto analogo, in cui però l'anziano pittore appare a mezza figura, con un pennello in mano. In un raro ritratto ad olio su carta (tecnica poco impiegata da Tominz, con evidenti conseguenze di difficile compatibilità tra i due materiali), compare la fresca rappresentazione di Einrich Ritter, efficace nel rendere l'eleganza e la fierezza del giovinetto. Al periodo romano e agli studi all'Accademia di San Luca (diretta allora da Antonio Canova) si può far risalire la Madonna a mezza figura, in cui il disegno di impronta neoclassica e la ricchezza cromatica del tardo Settecento sono ancora chiaramente presenti. Infine, un Ritratto di prelato di indubbia capacità descrittiva, in cui la resa amabile del personaggio raffigurato lo rende vivacemente espressivo. Uscendo dalla Galleria e affacciandosi al solenne ed elegante scalone d'onore dalle connotazioni neo-elleniche, si è accolti da tre Maschere di Gianni Russian. Sono dipinti ad acrilico su tela risalenti al 1957, quando l'artista triestino era ricoverato nell'Ospedale Santorio di Trieste e ideò la decorazione del teatro interno (ora smantellato). Il ciclo comprende una grande scena d'insieme, di ambiente veneziano, e alcune figure singole su tele trapezoidali: sullo sfondo bianco, le immagini si delineano leggere e stilizzate, arricchite da qualche tocco di colore. dott.ssa Beatrice di Colloredo Toppani Soprintendente: prof. arch. Franco Bocchieri Direttore dei lavori: dott.ssa Beatrice di Colloredo Toppani Restauratrici: Antonella Crisma Cristina Gioachin Luisa Zubelli Quaia Collaborazione tecnica: Renzo Lizzi Fotografie: Giorgio Nicotera Sito ottimizzato per 800x600, migliaia di colori. | Best view: 800x600, thousands of colors